Cine: War Of The Worlds (2005)

 

La fama y masividad de esta historia de seres de otros mundos que invaden nuestro planeta nace de un histórico episodio de radio en 1938. El relato de una invasión en formato de radioteatro fue dirigido y narrado por el actor y futuro director de cine Orson Welles. Todo esto nace de una adaptación del libro de ciencia ficción de Herbet George Wells “War Of The Worlds” de 1898. Los oyentes estadounidenses que sintonizaron el programa radial, pero no escucharon la introducción pensaron que simplemente se trataba de una emisión real de noticias. Lo cuál provocó pánico en las zonas de New York y New Jersey. La policía y las redacciones de noticias estaban saturadas por llamadas telefónicas de personas que de verdad creyeron que esto era una verdadera invasión de extraterrestres.

En 2005, con la dirección de Steven Spielberg, sale a los cines esta nueva adaptación de la película original de 1953. Los seguidores pensaron que con la tecnología de inicios del siglo veintiuno se podría lograr una película de alta calidad técnica en sonido e imagen a diferencia de la adaptación original. Así fue. Spielberg se esforzó en entregar la guerra vista desde los ojos de una familia americana luchando por sobrevivir. La adaptación de la película ofrece la emoción y paranoia de la novela clásica de H.G. Wells al tiempo que actualiza de manera impresionante la acción y los efectos. Mostrar cuán frágil es nuestro mundo.

Ray Ferrier (Tom Cruise) es un hombre separado que vive una nueva vida de soltero. Con sus dos hijos Rachel (Dakota Fanning) y Robbie (Justin Chatwin), con los cuales no se relaciona mucho y que vienen esta vez a visitarlo un par de días mientras su madre viaja a Boston a ver a sus padres. Su ex esposa, Mary Ann (Miranda Otto) vive una vida responsable a diferencia de Ray. Él vive una vida de soltero, preocupado de sus aficiones, su trabajo en una gran grúa portuaria y se relaciona de forma lejana de poco y nada con sus hijos. Esto mismo, le entrega una relación complicada con sus retoños. Poca comunicación y pésimo trato.

Por mientras a lo largo de todo el mundo ocurren extrañas tormentas electromagnéticas, que causan cortes de energía eléctrica y problemas en las telecomunicaciones. Todo esto acompañado de poderosos rayos caen en miles de lugares. Así, esta extraña tormenta con nubes oscuras y cargadas de energía se acerca a la ciudad de nuestro protagonista. Al mismo tiempo su hijo roba su auto deportivo y sale sin licencia de conducir. Sumando preocupación a este padre casi ausente para sus hijos.

Estos extraños rayos caen de forma violenta, causando al igual apagones de electricidad. Dejando que nada que utiliza esta fuente de energía funcione, incluso los automóviles y teléfonos móviles. En el lugar en que uno de estos rayos cae, un extraño agujero en el pavimento crece y crece causando el pánico de la gente se reúne alrededor de este. Desde dichas profundidades salen unas máquinas trípodes que destruyen todo a su alrededor, causando caos ya que lanzan los famosos rayos calóricos que desintegra lo que tocan, desvaneciendo a los seres humanos.

Estas enormes máquinas emiten ruidos extraños, que le sirven de comunicación entre ellas, y de verdad reina la insanidad en minutos. Ray Ferrier huye con sus hijos lejos en un automóvil que milagrosamente funciona. La idea de él es reunir a sus hijos con su madre en Boston. Pero el caos, la destrucción y la muerte los rodea, los encierra. Todo esto sobrepasa el entendimiento para nuestros tres personajes, ya que no logran dimensionar como el mundo cambia de la noche a la mañana y se transforma en una guerra entre dos mundos, pero una lucha desigual. Un completo exterminio de la raza humana. Todo es muerte y destrucción.

Incluso el poderoso ejército de Estados Unidos trata de forma desigual luchar contra estos trípodes, pero aquellas máquinas tienen escudos protectores y las armas convencionales de los militares no funcionan. Así en la población de Estados Unidos la ley que el más fuerte sobrevive se hace carne. El más astuto tiene posibilidades de sobrevivir. Todo se vale para sobrevivir en esta guerra, donde el caos, y un fin del orden conocido es ya una realidad.

Es una verdadera cacería de seres humanos, donde son atrapados y la sangre humana es utilizada como alimento para estos seres extraterrestes. Somos unos verdaderos insectos frente a estos seres. Nos atrapan y llevan en celdas como simples animales. Junto con la historia de esta masiva invasión extraterrestre y la guerra desigual entre estos dos mundos, es básicamente un padre con sus dos hijos viajando de ciudad en ciudad para simplemente hacer lo que el resto de la población desea: sobrevivir y contar el cuento. Tenemos estas dos aristas que se fusionan y nos entregan este mensaje de cuán frágil podría ser este enorme planeta. Como de verdad no estaríamos preparados frente a una hipotética invasión extraterrestre si dicha civilización es superior a la nuestra. Nos entrega esa angustia y desesperación que viven estos personajes. Ponerse en los zapatos de un padre con dos pequeños niños los cuales deben sobrevivir ante todo. La película entretiene, hace guiños a la película original de 1953 y se basa casi en su totalidad en el libro madre de esta historia de ciencia ficción, pero en tiempos más actuales. Cambian los escenarios y países, pero el caos y la muerte es la misma. Con un final impensado, los seres más pequeños de nuestro planeta, nos salvaran la vida. Le dará otra oportunidad a la raza humana. Recomendable.

Tráiler: 

Título: War Of The Worlds

Año: 2005
Director: Steven Spielberg
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Subtítulos: Inglés
Formato: DVD
Calificación: Recomendable

Serie: Star Wars - The Clone Wars (Temporada 4)

Existen en la cuarta temporada guerras civiles entre distintas razas en mundos tales como Naboo y Mon Cala. Conflictos de los cuales los Separatistas, liderados por Conde Dooku, se aprovechan para apoderarse de tales vastos mundos. En tales combates Anakin Skywalker y Padme Amidala son tomados prisioneros, torturados y hasta intercambiados por Separatistas claves para ganar la guerra. En los combates de Mon Cala, vemos un conflicto etnico entre Quarrens y Mon Calamari. Todo sucede bajo el agua, siendo esto algo no visto en la serie. Lo que llama la atención es ver un arte de colores hecho de manera digital algo oscuro. Creado para dar realismo de cómo serían las verdaderas condiciones de estar bajo el agua en realidad.

En el episodio “Nomad Droids”, vemos como le hacen un guiño a clásicos de la literatura como Gulliver y el Mago de Oz. Gracias a las entretenidas aventuras de R2D2 y 3CPO por diferentes mundos, mezclados con batallas y personajes ya clásicos en ambos bandos. Entretiene y vemos como le hacen honor a textos que han influenciado a los creadores de Star Wars, mayormente del creador George Lucas.

En el capítulo “Darkness on Umbara” conocemos al comandante Jedi Pong Krell, quién reemplaza a Anakin Skywalker y queda al mando de la Legión 501, los hombres de confianza de Anakin. Con un trato diferente a los clones, que deben sufrir sus órdenes suicidas y en misiones prácticamente suicidas y en contra la integridad de los propios clones. Ellos luchan contra la naturaleza de este extraño y sombrío planeta y contra las armas altamente tecnologizadas de los nativos de este mundo. Con la insurrección de los clones se descubre que Krell era un Lord Sith en potencia y que había aprendido las artes de la fuerza del lado oscuro. Ellos aprenden que no son simples seres vivientes hechos genéticamente que aceptan órdenes sin criticarlas. Al igual que los Jedi, tienen opinión y pueden aportar en la guerra con los Separatistas. Krell antes de ser ejecutado, nos habla de lo que pasará al final de la guerra, del poder que se está formando dentro de la República que la destruirá por dentro.

En los capítulos once y doce vemos como Obi Wan Kenobi, Anakin Skywalker y Ahsoka Tano son tomados prisioneros y sufren bajo el poder de los Zygerrian, quienes anteriormente fueron derrotados por los Jedis y ahora tienen una especie de revancha. Esta raza basa su sociedad en la esclavitud y tienen relación con los primeros años de Anakin Skywalker, quien junto a su madre fueron vendidos a los Hutt por aquellos esclavizadores de la galaxia. Vemos las aventuras de nuestros personajes en aquel mundo y como deben salir de difíciles situaciones para salvar finalmente sus vidas y de desvalidos mundos esclavizados. Queda el mensaje de quienes son realmente esclavos: Los Zygerrian bajo los Separatistas y el Conde Doku o los Caballeros Jedi bajo el control de La República y el Senado.

Death Watch y los Mandaloreanos forman parte de esta temporada. Donde Ashoka Tano por amistad y amor debe luchar contra estos terroristas de la galaxia. Todo por venganza, dentro de un intento de los Separatistas y La República de entablar negociaciones para lograr la paz final.

Hasta vemos una supuesta muerte de Obi Wan Kenobi, para introducirse en la red de Separatistas y los famosos Bounty Hunters que desean asesinar al Canciller Palpatine. Debe hacer muchos sacrificios para lucir como uno de ellos e incluso cambiar su voz con dolorosos métodos. Todo relativamente marchaba en su cause y Obi Wan Kenobi detendria este malevolo plan de asesinato hasta de Anakin Skywalker se entromete e intenta atraparlos, pero Kenobi le dice que no siga más sus pasos. Gracias a esto Skywalker descubre que Obi Wan aún vive.

En los últimos cuatro episodios de esta cuarta temporada vemos la lucha encarnizada de las brujas y oscuras Nightsister del planeta Dathomir contra los Separatistas liderados por el Conde Dokku y el General Grievous. Todo esto nace por la traición de Asajj Ventres y Savage Opress y así Dokku y los suyos tienen el pretexto de atacar a su líder, Mother Tauzin.

Vemos los caminos de Asajj Ventress para llegar a sacar del abandono y la locura a un personaje ya olvidado por los años, Darth Maul. Transformado en un monstruo loco por su pasado. Junto con su hermano Savage Opress y la ayuda de Mother Tauzin, revive y vuelve a vengar su truncado destino como Sith contra quien lo destruyó, Obi Wan Kenobi ¡Qué capítulos!

Nuevamente un gran trabajo de Lucasfilm, ya que episodios de no más de veinte minutos capítulo a capítulo nos sumerge en este conflicto armado que a la larga da muerte a La República e instaura el Imperio Galáctico. Saca de la oscuridad a personajes ya olvidados, volviendolos a la vida a buscar sed de venganza. Además de poner en tela de discusión, como tal en esta serie, de la complejidad de los conflictos étnicos en varios planetas de la galaxia, al igual como ha pasado en nuestro punto azul que flota en un rayo de luz en su larga historia. Para concluir, una serie que entretiene, nos entrega vastos personajes que van y vienen en estas temporadas y agregan más información en relación al mundo de actores y mundos en estas famosas Guerras Clónicas. Vamos por esa quinta temporada. Muy recomendable.

Tráiler:

Título: Star Wars - The Clone Wars (Temporada 4)
Episodios: 22 episodios
Año: 2011
Creador: George Lucas
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Subtítulos: Inglés
Formato: DVD
Calificación: Muy Recomendable

Música: Metallica - Quebec Magnetic

La ciudad de Quebec en Canadá recibió por primera vez, allá en 1985, a Metallica en la gira de promoción de su segundo álbum “Ride The Lightning” (1984). Desde ahí comienza una comunión en que casi cada gira los recibe en diferentes escenarios de esta hermosa ciudad de América del Norte. En esta ocasión fue en el mítico Colisée Pepsi de esta ciudad los días 31 de octubre y 1 de noviembre de 2009. Algo único, en plena celebración de Halloween, para tocar en vivo y grabar este material audiovisual “Quebec Magnetic”. En su mítico escenario en 360° y con cuatro torres de iluminación con vida propia y luces con cuatro ataúdes que conceptualmente nos habla de su disco en promoción “Death Magnetic” (2008).

Vemos en un inicio un tributo a su nuevo álbum y de forma muy valiente presentarlas en un inicio, sino no una sino dos, como “That Was Just Your Life” y “The End Of The Line”. Para dar paso a un himno del thrash metal como “The Four Horsemen” de su disco germinal, “Kill ‘Em All” (1982). Como una apuesta más compleja en lo progresivo de su carrera nos presentan “The Shortest Straw” y “One”, una canción más bélica, cruda visceral, el primer éxito comercial de la banda a finales de la década de los ochenta.

Mostrando tintes del disco “...And Justice For All” (1988) y renovando sus sonidos metálicos están las canciones “Broken, Beat & Scarred” y “My Apocalypse”. Con guiños incluido a Black Sabbath inicial, por la teatralidad y hacer “terror” con este thrash metal clásico.

James Hetfield hace el tradicional speech “Do you want heavy? Metallica gives you heavy baby!” y nos encontramos como un murallón punto de impactar con la canción “Sad But True”, para luego a algo más introspectivo traído desde 1986 en su disco insigne “Master Of Puppets” (1986) como “Welcome Home (Sanitarium)”, se bajan las revoluciones por la búsqueda de un santuario para nuestras mentes que desean paz y sanación. Rápidamente vamos con “The Judas Kiss” y la canción promocional del “Death Magnetic” como “The Day That Never Comes”. Estas dos canciones con reminiscencias y mucho de “...And Justice For All”, especialmente la segunda con una parte muy en onda con “One”.

Entregarnos “Master Of Puppets”, un clásico del thrash metal. Canción cañera, agresiva con fuerza y vitalidad. Con un público que canta todos los coros. Me recuerda a Cliff Burton y esa banda de mediados de los ochenta, legendaria y original, con un sonido propio. Está pegada con “Battery”, del mismo disco clásico, con el tape de la intro con guitarras acústicas-barrocas y esa potencia que presenta con violencia. Esos riffs agudos, punzantes de puro thrash metal legendario.

“Nothing Else Matters” debe ser la única balada insigne de Metallica. Aunque tienen más canciones de medio tiempo en su discografía, está es cantada con fuerza y de forma completa por los fans de la banda californiana. Letra basada en las experiencias de vida de sus integrantes y ese mensaje con contenido que se le quiere entregar a sus seguidores. Se encienden los encendedores, celulares y a cantar.

“Enter Sandman”, que es la siguiente, nos quiere entregar ese miedo a las leyendas urbanas que nos atemorizan en nuestra temprana infancia, que son transportadas a la adultez. Ese Metallica que juega a ser algo de Black Sabbath. Ese “terror” hecho música. para nuestras tenebrosas pesadillas y vivencias. Con los bises “Killing Time”, “Whiplash” y “Seek & Destroy”, volvemos a la vieja escuela con este trío de canciones con riffs sucios, maquillados con esa velocidad endemoniada. El coro de “Seek & Destroy” cantado a todo dar por la fanaticada y celebrando la fiesta de Halloween. La fuerza que deben sentir de la audiencia, debe ser una fuente de energía e inspiración única para Metallica. Nos deja sin palabras.

En el segundo devedé, nos encontramos con las canciones sobrantes de aquellas dos noches inmortalizadas. No dejan de ser rolas poderosas, complejas y sacadas del catálogo clásico de la banda. Además de rendir un tributo a la fanaticada de la ciudad de Quebec, por ser la más ruidosa, honesta y sincera de Norteamérica. De reconocer el sustento histórico del lugar donde se grabó este material, al ser uno de los edificios considerados para eventos masivos más antiguos de Canadá y América del Norte.

Material que nos entrega canciones del disco “Death Magnetic” (2008), que toman una nueva dimensión en vivo por su poderío y filiación con la fanaticada canadiense. ¿Qué se puede decir cuando aparecen las canciones clásicas? Simplemente se viene abajo el Colisée Pepsi de Quebec y escuchamos como los asistentes cantan y corean estos himnos del rock de esta banda que supera más de cuarenta años de carrera. La banda que me inició en el largo camino del rock y el thrash metal. Pasan los años y siguen aceitados, con riffs poderosos, con esa base rítmica endemoniada. Donde continúan entregando historias, transportándonos a vivencias personales con su música. Obra que es muy, pero muy personal desde cada uno de ellos. Las leyendas se continúan escribiendo. Muy recomendable.

TRACKLIST:

DVD1

1. That Was Just Your LIfe

2. The End Of The Line

3. The Four Horseman

4. The Shortest Straw

5. One

6. Broken, Beat & Scarred

7. My Apocalypse

8. Sad But True

9. Welcome Home (Sanitarium)

10. The Judas Kiss

11. The Day That Never Comes

12. Master Of Puppets

13. Battery

14. Nothing Else Matters

15. Enter Sandman

16. Killing Time

17. Whiplash

18. Seek & Destroy

DVD2

Bonus Tracks & Footage

1. For Whom The Bell Tolls

2. Holier That Thou

3. Cyanide

4. Turn The Page

5. All Nightmare Long

6. Damaged, Inc.

7. Breadfan

8. Phantom Lord

9. Quebec City Love Letters

The Day That Never Comes:

Autor: Metallica

Obra: Quebec Magnetic
Etiqueta: Vertigo – 3722030, Universal Music Group – 3722030, Mercury – 3722030
Originalmente publicado: 2012
Formato: 2 x DVD, DVD-Video
País: Argentina
Calificación: Muy Recomedable

Música: David Gilmour - Live At Pompeii

El Anfiteatro de Pompeya es uno de los mejores, el más sobrecogedor anfiteatro romano en el mundo. Es uno de los más tempraneros en sobrevivir, tiene una maravillosa arena en el medio y con sus asientos alrededor. Bien, pudo haber tenido asientos, la cifra difiere a 15.000 asientos quizás más. Cada uno de los espectadores sentados observando el área central, donde gladiadores pelearon a muerte y bestias salvajes con algunas descripciones que solían ser muy sorprendentes, brutal y horrible de comentar.

En 2015, David Gilmour decidió presentarse en una serie de conciertos en lugares históricos a través del mundo. El siguiente año, él se convirtió en el primer músico en tocar en el Anfiteatro de Pompeya, con público, desde que los gladiadores en 79 AC lo hicieran. Fue el retorno a Pompeya de David, teniendo su primera presentación por allá en 1971 para la legendaria película del concierto de Adrian Man, Pink Floyd Live At Pompeii. En tiempos romanos el Anfiteatro de Pompeya era conocido como “Spectaculum” y David trabajó con un colaborador de largo tiempo y maestro de la iluminación y el color, Marc Brickman, para traer el espectáculo de vuelta al “Spectaculum”. Así el 7 y 8 de julio de 2016, David Gilmour volvía a la arena romana que lo transformó en leyenda junto a su banda madre, Pink Floyd.

Todo comenzaba con “5 A.M.”. Un inicio instrumental. Notas melancólicas. Sin Mr Screen, mítica pantalla de video circular utilizada por el último Pink Floyd. Sólo las texturas musicales en guitarra de David Gilmour. Para luego dar paso a “Rattle Than Lock”, con toda la banda sobre escena, donde vemos todo el poder de sus músicos, rock, voces y luces. Guitarras en todo su poder. “Faces Of Stone”, las ruinas, la piedra eterna, fantasmas de un pasado lejano. Su solo final con su “Black Strat” es desgarrador. “What Do You Want From Me”, con algo de Pink Floyd más comercial, el poder de las voces, los coros de voces. “The Blue”, la belleza y melancolía de la música de Gilmour que se funden en algo único, conectado con las canciones que le preceden. “The Great Gig In The Sky”, sacado de su disco insigne como “The Dark Side Of The Moon” (1973) y conectado con el alma musical de Richard Wright. Las tres voces de los coros potencian aún más la canción, agregando la voz de un hombre. Algo único, no visto o escuchado, dando otra dimensión al material solista o de Pink Floyd que alguna vez lo interpretaron en vivo. “A Boat Lies Waiting”, escrita por David Gilmour y Polly Samson sobre el desaparecido tecladista de Pink Floyd. Hermosa en melodías, pero desgarradora en sus líricas. Estos dos elementos se fusionan y rinden un tributo bellísimo al tecladista Richard Wright. “Wish You Were Here” es un himno, cantado por toda la audiencia en el anfiteatro de Pompeya. Recordando nuevamente al propio Rick, pero a la vez a otro cercano de David Gilmour: Syd Barret.

“Money”, es una crítica a la sociedad de los sesenta y actual por su interés al dinero y lo material. Rindiendo tributo a lo clásico de Pink Floyd con Mr Screen visualizando imágenes conceptuales usadas décadas atrás en los shows en vivo de los ingleses. “In Any Tongue”, es una relación con los conflictos bélicos en Medio Oriente, donde potencias mundiales invaden por intereses económicos y arrasan con culturas centenarias y cuestan la vida de inocentes víctimas. “High Hopes”, final introspectivo. Sacando a la luz nuevamente la canción que da fin a “The Division Bell” (1994) y se despide de aquellos años luminosos y llenos de pasión y creatividad. Sumando la melancolía de la letra y una despedida en lo creativo de uno de los puntales del rock progresivo en la historia de la música popular mundial.

En la segunda parte del show, vemos “One Of These Days”. Una conexión directa con el lugar y la historia que los une con este lugar. Poder y psicodelia. Con “Shine Of The Crazy Diamonds (Parts 1 - 5)", vemos un espectáculo de space rock. Con las imágenes de Mr Screen, utilizadas en los últimos shows de Pink Floyd. La “Black Strat” de David Gilmour con esos solos iniciales que erizan la piel. En “Fat Old Sun”, nos cuenta la historia de ese gordo y viejo sol, siempre presente y entregando calor y vida.

Luego, “Coming Back To Life”, una canción que tiene una conexión directa conmigo. Una experiencia de tiempos duros y tristes superados. La música, santo manantial. Pink Floyd y David Gilmour, ahora interpretando esta canción de sobrevivientes. Avanzamos con “Sorrow”, con un solo inicial desgarrador y gutural. Un sonido único sacado en guitarra por David Gilmour. “Run Like Hell”, esa guitarra sacada directamente de “The Wall” (1979). Guitarra cañera, pegadiza. Un sonido único. Con “Time”, experimentamos con algo constante, sin piedad. El reloj avanza sin parar, dejando su huella. 

“Comfortably Numb”, clásico final de Pink Floyd y ahora de David Gilmour. con dos solos de guitarra únicos, desgarradores, que experimentamos lo más profundo de la rabia y desesperación. Una guitarra que eriza los pelos, en que nos conectamos con lo que David Gilmour nos relata con la música de su banda madre y legendaria.

En el segundo disco vemos una serie de canciones sacadas en Sudamérica y Europa. Las imágenes en esta parte del mundo me trae recuerdos de su concierto del 2015. Canciones en su mayoría que no aparecen en el concierto en Pompeii. Además entrega canciones en Europa, específicamente en Polonia, acompañados por una orquesta sinfónica en vivo. Muestra un público menos ferviente al Latinoamericano, pero igual de extasiados con cada canción entregada por David Gilmour y su banda.

Los documentales sacados de sus viajes a Europa, Norteamérica y Sudamérica, me trae recuerdos al trabajo en formato de documental de su anterior trabajo en video como “Remember That Night”. Sus viajes por la Europa desconocida y formidables construcciones antiguas romanas que fueron utilizadas en diversos países del viejo continente. Los ensayos y vida en familia “On Tour”. Como aún David Gilmour vive el nerviosismo cada noche de show y eso que él es músico desde la década de los sesenta.

Otro material, más que interesante de esta obra, es el documental de la BCC “Wider Horizons”. Vemos a David Gilmour en sus estudios de grabación y mezcla. En su campo que está en Sussex, Inglaterra. Nos documenta cómo es el proceso de composición de la lírica y música entre Gilmour y su esposa, escritora, Polly Samson. Ella es la compositora lírica de Pink Floyd y Gilmour desde la década de los ochenta. Aprendemos cuáles fueron los primeros pasos musicales de David Gilmour. Cómo aprendió a tocar guitarra a la edad de doce a trece años. Sus influencias musicales y su vasta colección de vinilos conservados de esa época. Además nos cuenta la anécdota de que estuvo a la edad de cinco años en la misma sala de arte, durante un año, junto a Roger Waters y Syd Barret sin saberlo hasta ahora. Su primera banda “Jokers Wild” y como se profesionalizó y aún conserva material desde sus inicios digitalizados en su estudio musical. Al final comprendemos que el centro de emociones y palabras de David Gilmour es musical. Sólo su guitarra y música nos hace comprender sus sensaciones y sus historias entregadas hace años. Él en realidad es un hombre de pocas palabras, muy silencioso.

Un David Gilmour más humano, donde las artes de diferentes formas, más allá de lo musical se fusionan. La historia de este mítico lugar para la música y el arte. La conexión directa con Pink Floyd, por allá en 1971. Ahora en 2016 Gilmour revive esta llama, este fuego y renace esas noches en el Anfiteatro de Pompeya con un material sobrecogedor y hermoso. Documenta su vida rodeado por su familia, por sus tesoros musicales y una basta experiencia e historia musical. Tiene aún, David Gilmour más que entregar como solista y quizás aún con Pink Floyd. Imprescindible.

TRACKLIST:
BD1
The Concert Part 1
1. 5 A.M.
2. Rattle That Lock
3. Faces Of Stone
4. What Do You Want From Me
5. The Blue
6. The Great Gig In The Sky
7. A Boat Lies Waiting
8. Wish You Were Here
9. Money
10. In Any Tongue
11. High Hopes
The Concert Part 2
12. One Of These Days
13. Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5)
14. Fat Old Sun
15. Coming Back To Life
16. On An Island
17. Today
18. Sorrow
19. Run Like Hell
20. Time / Breathe (In The Air) (Reprise)
21. Comfortably Numb
22. Credits

Documentary
23. Pompeii Then And Now
BD2
Bonus Material: Music
1a. South America 2015
1b. Astronomy Domine
1c. Us And Them
1d. Today
1e. Time / Breathe (In The Air) (Reprise)
1f. Comfortably Numb
Wroclaw 2016 (With The NFM Wroclaw Philharmonic Orchestra)
2a. 5 A.M.
2b. Rattle That Rock
2c. Dancing Right In Front Of Me
2d. The Girl In The Yellow Dress
2e. In Any Tongue
2f. Credits
Bonus Material: Documentaries
3a. Tour Documentaries
3b. Europe 2015
3c. South America 2015
3d. North America 2016
3e. Europe 2016
4. David Gilmour: Wider Horizons BBC Documentary

David Gilmour - Shine On You Crazy Diamond (Parts 1-5:

Autor: David Gilmour
Obra: Live At Pompeii
Etiqueta: Columbia – 88985464962, Sony Music – 88985464962
Originalmente publicado: 2017
Formato: Box Set, Deluxe Edition; 2 x CD, Album, Stereo; 2 x Blu-ray, Stereo, Multichannel, DTS-HD Master Audio
País: Europa
Calificación: Imprescindible

Cine: The Exorcist [25th Anniversary Edition]

Para ubicarnos en el contexto, la primera película es una adaptación de la novela homónima escrita por William Peter Blatty. Él mismo fue quién escribió el guión, adaptando su obra para el cine. Por este trabajo en Blatty recibe el Oscar en 1973.

Al comienzo de la película vemos al Padre Lankester Merrin (Max von Sydow) en una excavación arqueológica en Hatra, en el norte de Irak, donde desentierran parte de figuras y una estatua de un demonio llamado Pazuzu. Originalmente este demonio era utilizado en la época de Mesopotamia para que extrañamente protegiera niños y mujeres embarazadas. Este demonio tiene una gran importancia en esta película, ya que afecta a nuestra protagonista, Regan MacNeil (Linda Blair). Meses después, el Padre Merrin, regresa a los Estados Unidos, específicamente a Woodstock a descansar y escribir su experiencia en el norte de Irak en un libro.

La protagonista de esta película, Regan MacNeil, una niña de doce años que presenta preocupantes cambios de comportamiento y que cada vez son más y más violentos y extraños. Todo esto luego de encontrar una tabla Ouija y decirle a su madre que habla por medio de este instrumento con un tal Captain Howdy.  Los médicos, extrañados por el caso, piensan y aconsejan a su madre que es tiempo que Regan reciba ayuda espiritual, mejor dicho de un exorcismo, ya que podría tratarse de un caso de posesión demoníaca.

Para ayudar, aparece el Padre Damien Karras (Jason Miller), ya conocido de su madre, un sacerdote que practica boxeo, que fuma y bebe alcohol. Tiene un comportamiento poco usual para ser un hombre de fe. Experimentamos como su madre muere en un hospital psiquiátrico, abandonada y lejos de su hogar que tanto ella pidió estar para morir. Existe una gran culpa en el Padre Karras y este es un punto débil para enfrentar este caso de posesión demoníaca.

Damien Karras es quien en una de las escenas logra grabar palabras de Regan dichas en un extraño lenguaje. Que llega a ser sino inglés hablado al revés. En él, el Padre Karras identifica que el demonio llama a un tal Padre Merrin. Tras esto Karras solicita al arzobispo permiso para realizar el exorcismo. El cual es aceptado, pero con la ayuda del octogenario Padre Lankester Merrin. Hombre preparado para este trabajo, pero aproblemado por sus problemas delicados de salud. 

En otra línea de la trama, está la investigación policial por parte del Teniente Kinderman (Lee J. Cobb) por la muerte de gente cercana a la madre de la poseída, Chris McNeil (Ellen Burstyn) y que tienen una relación con la posesión demoníaca de su hija Regan. 

Incluso se habla que dicha cinta tuvo varios problemas para su rodaje, como incendios sin razones que retrasaron la grabación, nueve muertes relacionadas con el personal que trabajó en la cinta y de los métodos pocos ortodoxos y violentos del director de esta obra para mantener a los actores en estado tensión y lograr escenas realistas y así llevar a cabo las tomas de exorcismo lo más real posible. trabajo conflictos entre los actores y el director de esta cinta. Un ejemplo que en las escenas de posesión Linda Blair se daño la parte baja de su espalda por los movimientos violentos que tuvo que hacer para representar la posesión demoníaca. Además la publicidad que tuvo la película antes, por la muerte del personal e incendios que afectaron la producción. Tuvieron que contratar una actriz extra para algunas escenas de Linda Blair y hacer las escenas más violentas y peligrosas.

El impacto que tuvo en la sociedad de la época esta película que tomaba un tema muy delicado y llevado con secreto por la Iglesia Católica. Muchos estudios de cine rechazaron la idea de hacer la película. En la prensa, al salir la película al cine, se decía que podría afectar la salud mental de la audiencia. Se habla de desmayos que afectaron a los que vieron la película en la misma sala de cine. Se comentó ampliamente de una maldición en la película y la creencia en la prensa que Linda Blair estaba afectaba mentalmente o ciertamente tenía una posesión demoniaca real. Todo esto sirvió para la publicidad del film y en su éxito final en las salas de cine y en la historia, casi leyenda, que se creó para esta película. 

En lo personal, es uno de los santos griales del cine de terror. Llevó a la pantalla en 1973 algo delicado y evitado. Desde ahí el cine se metió en estas oscuras aguas de las posesiones demoníacas. Hoy en día hay docenas de películas basadas en este tema. Pero esta película es la mejor, para mi, por ser la clásica, por sus efectos, por su historia secreta y no contada y como se relaciono la literatura con el cine una vez más. Sin lugar a dudas, esta película es una de las grandes cumbres del cine de terror. Imprescendible.

Tráiler:

Título: The Exorcist [25th Anniversary Edition]
Año: 1973
Director: William Friedkin
País: Estados Unidos
Idioma: Inglés
Subtítulos: Inglés
Formato: DVD
Calificación: Imprescindible

Cine: Rocketman

Mi primera vez que supe de la existencia de Elton John fue a mediados de los '90, cuando murió trágicamente la Princesa Diana de Gales y él en plena ceremonia fúnebre cantó “Candle In The Wind”. Una versión diferente en la letra a la original, pero que no dejó de ser emotiva, por la interpretación de Elton John. Me marcó y buscaba dicha canción por el dial de radios FM a diario para grabarla en mis cintas de canciones favoritas. He tenido otros acercamientos a su música, por versiones junto a George Michael e incluso covers tocados por una de mis bandas favoritas, Dream Theater.

Llega a mis manos Rocketman, dirigida por Dexter Fletcher y estelarizada por Taron Egerton, como el mismo Elton John. La música fluye por todo el film, sin dejar aristas que no sean bañadas por este hermoso arte. Vemos a un Elton John siendo niño, ignorado y rechazado por su padre y una madre más preocupada de la moda y sus amantes. A punto de divorciarse, pero amparado bajo el alero de su abuela materna que lo lleva y guía en sus primeros pasos en el mundo de la música.

Así vemos como poco a poco, su destino lo lleva a convertirse en una estrella. Primero tocando en bares por toda Inglaterra y siendo soporte de una banda de soul. Hasta que buscando su camino conoce a Bernie Taupin (Jamie Bell), quien es la otra parte del arte de Elton John, que con sus letras entrega su música con líricas personales y llenas de ansias de triunfar.

Hasta que logran tener las canciones necesarias para su primer disco en la década de los setenta. Su primer tour por Estados Unidos y descubrir este nuevo mundo lleno de fama, fanáticos, excesos, drogas y alcohol. Su fama explotó y se transformó en una figura mundial, encontrando algo que él de verdad no buscaba. Esa fama que no se detenía, que lo forzaba a ser alguien feliz y avasallador; cuando en realidad sentía pena por el abandono de su padre y su personalidad muy tímida.

Esta fama y también los abusos de drogas y alcohol, y sus relaciones amorosas tóxicas, no correspondidas y amores forzados lo llevan durante un tiempo por el camino de la autodestrucción. Para los que lo conocían era obvio que en cualquier momento sabrían que Elton Hercules John moriría víctima de sus excesos. Este hombre lo único que necesitaba era un abrazo, un perdón, un te quiero verdadero, lo simple. Sólo deseaba su Rock N Roll, sus discos, su abuela, su piano, su hogar materno.

La relación con Bernie Taupin es cíclica. A veces muy cercana, otras veces distante, especialmente en el periodo de los excesos de Elton John. Pero al final esa hermandad, esa fuerte relación de hermanos gana y siguen juntos hasta hoy trabajando juntos en nuevas composiciones. Una de las duplas en el mundo de la música más fuertes, unidas y cercanas.

El otro tema es como mostraba al mundo y a sus cercanos su homosexualidad. Al principio negaba ese lado suyo, e incluso tuvo novias. A la larga de acepta su homosexual y lo comunica a su familia, pero en especial su madre quien le dice que siempre lo supo. Además ese lado cercano a la moda con sus trajes y lentes que camaleonicamente cambiaba a través de los años y periodos musicales. Era su sello, su cuota al mundo de la música, junto además de toda su música llena de clásicos y discos impresionantes en la década de los setenta y ochenta.

Viví este film a raudales, es un musical basado en su obra. Además muestra al Elton John humano, con aciertos y defectos. Su familia más cercana. Esa fama que se la encontró en la cara de forma frenética, donde por años e incluso décadas vivió dicha popularidad de forma loca dejando de lado la persona, sus sentimientos y encontrar esa parada para replantearse su vida y sus deseos. Un ser humano que a pesar de tener cientos de cercanos, una fama tremenda, el dinero deseado por cada uno de nosotros, pero al final se sentía sólo. Ese niño abandonado por su padre, preguntándose por qué. Pero al final hay luz y conocemos ahora a Elton John sobrio hace años, alejado de los excesos, viviendo su vida de pareja responsable y tranquila, con hijos y su música. Con todo lo que siempre deseó y más. Obra muy recomendable. 

Tráiler: 

Título: Rocketman
Año: 2019
Director: Dexter Fletcher
País: Estados Unidos

Idioma: Inglés

Subtítulos: Inglés
Formato: DVD

Calificación: Muy Recomendable

Libro: Henrik Tuxen - Tras la huella de Pearl Jam

Pearl Jam posee un lado alternativo en su arte muy claro, tanto en sonido como igual en su actitud. Se reconoce su sonido, identidad, con un compromiso social directo. A su vez, hay elementos de rock duro, algo así como el sentimiento trovadoresco de Neil Young y también el legado del heavy rock de los setenta. Líricamente, percibo una banda intensa y expresiva, con versos salidos del fondo del alma y el corazón de un vocalista cuyas palabras y voz, siento magnéticamente atractivas.

Henrik Tuxen es un periodista danés, y en la época de escribir este libro, escribia para la revista de rock alternativo GAFFA (editada en Dinamarca, Suecia y Noruega). El cuál aparte del oficio del periodismo, es músico y fanatico acérrimo de Pearl Jam. De cierta forma el sueño de juventud de acercarse a sus ídolos, lo convierte en algo real y constructivo para su carrera y vida personal.

Las aventuras del periodista danes Henrik Tuxen junto a Pearl Jam en gira. Primero por España, conociendo más de cerca a Eddie Vedder y otros integrantes de la banda en 1996. Años después en Hawai donde Tuxen logró acercarse a la banda, pero ya el hostigamiento de los fanáticos era demasiado. En especial esto afectó a Eddie Vedder, quien pedía a gritos intimidad y ganas de libertad sin fanáticos alrededor, ni nadie extraño que le pidiera algo.

Una de las siguientes citas y más significativas marcadas por la tragedia para el periodista y Pearl Jam es el Festival Roskilde del año 2000. Luego de un inicio demoledor y el público a mil. Durante la interpretación de “Daughter” un hombre de seguridad se acerca a Eddie Vedder en pleno show y le indica que acaba de haber una accidente entre el público asistente. Eddie dice que pararan por un rato y luego es el caos y pánico. Henrik Tuxen ve a Eddie Vedder con los ojos llorosos y de rodillas. Una escena dantesca junto a la lluvia y el barro en dicho festival de rock danes. Nueve vidas murieron, esa noche, sofocadas y aplastadas por la masa de personas que luchaban por alcanzar la barrera frontal en el concierto de la banda de Seattle. Todos los fallecidos, jóvenes, muy jóvenes, incluso algunos menores de edad.

Comenzó una verdadera “cacería de brujas” y el gran responsable por la prensa irresponsable y sensacionalista era Pearl Jam. La acusaban por ser una banda de rock que causaba desmanes y conductas desinhibidas en el público. Además que se habla del consumo de alcohol y drogas desmedidos de los concurrentes a aquellos conciertos de rock.

Las aguas se aquietaron. Pearl Jam volvió a la ruta nuevamente pero sin olvidar dicho momento horroroso y traumante para ellos. Se vuelven a juntar a Henrik Tuxen para entrevistas y asistir a sus conciertos, hasta que de cierta forma se transforma en un intermediario entre Pearl Jam y los familiares de las víctimas de los cuales el mismo periodista contacta.

Henrik Tuxen consigue reunirse con los familiares y amigos de los fallecidos. Conocemos la vida de las víctimas y sus familias. Un ejemplo, la vida de Lennart Nielsen. Un joven impetuoso y lleno de energía que debe luchar por sobrevivir en una familia disfuncional. Se va de casa y también es expulsado de los Testigos de Jehová por sus conductas lejanas a su creencia. Aunque se aleja de los espiritual, mantiene una relación de respeto y cariño con parte de su familia. Para él, vivir el ahora, era su lema y además fanatico acérrimo de la banda Pearl Jam y que encuentra la muerte entre los suyos y con su banda favorita de siempre. Amante de la canción “Immortality” y “Better Man” y como estas canciones, con un mensaje muy personal de Eddie Vedder, fueron muy cercanas y dieron un motivo de seguir a la banda por Lennart. Conocemos sus horas finales, y como el alcohol y la rebeldía fueron ingredientes de su trágico final en Roskilde. Eddie Vedder luego de los años se contacta con los amigos de Lennart y los conoce y da saber su pena y peso por las muertes de en Roskilde 2000.

Stone Gossard fue el que más quiso comprender y saber el dolor de las familias de los fallecidos y viajó a Dinamarca y Suecia junto a su novia Liz Weber y Henrik Tuxen. Conoció a cada familia que deseaba reunirse con él y comprendió de forma directa el dolor y cómo las vidas de los familiares se detuvieron. Además de saber que ellos no responsabilizaban a la banda sino a las autoridades y encargados de la seguridad del Festival Roskilde. Si las medidas de seguridad para las jornadas de Roskilde del 2001 habían sido modificadas y mejoradas les decía a los familiares que las cosas no se habían hecho bien en cuanto a eso el año 2000.

En este libro Henrik Tuxen, en su calidad de periodista y fanatico de Pearl Jam, nos muestra el lado humano de la más famosa banda de grunge en estos días. Fuera de lo legal y el sensacionalismo que trajo en la prensa esta tragedia y como Pearl Jam no fue indiferente al dolor de aquellas familias que perdieron un ser querido en junio de 2000. Eddie Vedder y los suyos de forma diferente liberaron sus emociones, dolor y dudas sobre este evento a su manera y tiempos. Como luego del dolor, se puede sacar el amor, la amistad, la fraternidad y el apoyo después de algo tan horroroso como estas muertes causadas por estrategias tan fuera de lo legal en materia de seguridad. Eso es lo principal que puedo sacar de este libro.

Años después Veronica Bravo decide traducir este libro del danés al español y así entregar esta experiencia a los fanáticos latinoamericanos y así entender el concepto de seguridad y fraternidad que la banda trata de imprimir en cada concierto. Como el año 2000 pudo ser el fin de la agrupación de Seattle, pero lograron recomponerse y sacar cosas en limpio y acercarse a las familias de los fallecidos. Una agrupación más allá del rock y grunge, conocer lo que es el sello de ellos, lo humano y el amor hacia sus seguidores y concurrentes a sus conciertos. Muy recomendable. 

Título: Tras la huella de Pearl Jam

Autor: Henrik Tuxen

Originalmente publicado: 2013

Idioma: Español

Formato: Físico

ISBN: 978-956-9136-18-4

Páginas: 219 páginas

Calificación: Muy Recomendable

Cine: Arrival

Película basada en el libro “Story of your Life” por Ted Chiang, donde el tiempo no es lineal como nosotros percibimos. El pasado, el presente y el futuro se funden en este film que comienza por escenas de la vida de Lousie Banks (Amy Adams) con su hija desde su nacimiento, crianza y una trágica muerte de ella siendo una adolescente por una terrible enfermedad.

Lousie Banks es una profesora experta en lingüística e idiomas de una universidad de Estados Unidos, que en una mañana en específico va a su casa de estudios y ve la conmoción de la gente y en especial sus estudiantes que la hacen prender el televisor en su clase de lingüística. Ven que con estupor que doce extrañas naves extraterrestres se han posado en ciertos estratégicos lugares alrededor del mundo. Las principales potencias en el mundo deciden hacer contacto luego de su llegada y para eso contratan a los mejores científicos y lingüistas del mundo para tal tarea. En un principio es un trabajo mancomunado para averiguar las intenciones de tales visitantes. 

Lousie Banks, como experta en lingüística, es contactada por el ejército de los Estados Unidos, por medio del Coronel Webel (Forest Whitaker). Desde que es llevada en una noche desde su casa hasta llegar al lugar donde está la nave extraterrestre, Lousie Banks trata de procesar todo lo visto, lo que procesamos para entender que es real, de que están aquí, nos han visitado. Todo esto pensado e interiorizado de forma rápida y de forma violenta.

Junto a Banks es contactado el físico teórico Ian Donnelly (Jeremy Renner) para tratar de contactarse y comunicarse con dichos extraterrestres para saber las reales intenciones de su visita. Una desconfianza de los militares por temor a lo desconocido, pero una gran curiosidad de Banks y Donnelly para conocer e interactuar con tales seres. 

Mientras el mundo vive la incertidumbre, se detiene toda la vida como la conocemos, entramos en una especie de simulacro de invasión extraterrestre sin saber de ninguna manera el motivo de tales doce naves posadas en lugares del planeta. Problemas políticos, caos en la población, incertidumbre financiera y aprovechamiento religioso.

Lousie Banks y Ian Donnelly son llevados a un vasto territorio en Montana, donde está ubicado el campamento base repleto de militares, científicos y lingüistas. En tal lugar van a dicha nave y se contactan con dos seres extraterrestres, seres extraños por su fisonomía, denominados como “heptápodos” por tener siete tentáculos y que se comunican de forma oral de forma misteriosa. Lousie Banks intenta comunicarse con ellos de forma básica, teniendo éxito, ganándose la confianza de tales seres. Hasta que los heptápodos comienzan a comunicarse con símbolos extraños circulares llenos de detalles. Los lingüistas comienzan de inmediato a tratar de dilucidar qué nos dicen tales símbolos. Banks y Donnelly bautizan tales seres como “Abbott” y ”Costello”. Poco a poco hay avances y se tiene una comunicación cada vez más fluida y por medio de esto Lousie Banks va teniendo extrañas visiones de una vida quizás futura, como flashes de partes de su vida,algo que no logra entender, pero sabe que lo ha logrado por medio de aprender el lenguaje de estos extraterrestres. 

Un día, estos seres extraterrestres se comunican y nos dicen “Offer a weapon”/“Ofrecer un arma”. Causa pánico en las esferas militares alrededor del mundo. Piensan en un arma de destrucción masiva, un arma que los llevará a enemistarse con los otros países involucrados en este gran trabajo. Al final, en vez de unir, causa celos, desconfianza, diferencias y enemistad entre las potencias mundiales y hacia estos seres extraterrestres. 

En verdad esta arma, que en realidad es una herramienta, es en sí una ayuda para la humanidad para solucionar sus problemas internos en el planeta y en sí una posibilidad para conocer un “Lenguaje Universal”, que nos lleve a un entendimiento entre los seres y les permita con esta herramienta tomar mejores decisiones para la humanidad y para cada ser humano. Esta herramienta permite anexar estas vidas y permite a la humanidad evolucionar por medio de este lenguaje. De recibir la vuelta de mano de estos seres heptápodo, ya los ayudaremos en el futuro en muchos milenio más. 

Aprendemos cómo por medio de un nuevo lenguaje podemos modificar nuestro cerebro y construir nuestro propio destino, futuro y vida. Como esta herramienta, más el amor, permite abrir el tiempo y modificarlo para el bien de la humanidad y de cada habitante que aprende esta herramienta universal. 

En lo referente a Louise Bank, ella toma decisiones sabiendo el trágico fin de sus acciones. son decisiones basadas en el amor. Basadas en la necesidad de vivir dichas experiencias basadas en este hermoso sentimiento. Aunque los que la rodean dicen que hizo una mala elección y se alejan de ella y de lo que ama. Vive esto con paciencia, amor y decisión. Percibe el tiempo de una manera que lo hace no lineal, sin comienzo, sin final. 

Lousie Banks le pregunta a Ian Donnelly que sí pudiera saber la historia de principio a fin de su vida y poder cambiar algo qué él haría. Él le responde que simplemente no quería saber nada de su vida. Prefiere no saber nada de aquel incierto futuro. Imprescindible.

Tráiler:

Título: Arrival
Año: 2016
Director: Denis Villeneuve
País: Estados Unidos

Idioma: Inglés

Subtítulos: Inglés
Formato: DVD

Calificación: Imprescindible

Cine: Seven Samurai (The Criterion Collection #2)

Una aldea completa de campesinos está aterrada con un grupo de ladrones que quieren sus cosechas y así a la larga condenarlos a la muerte por no tener que comer. Saben que no pueden esperar nada de dichos ladrones, ni siquiera que les dejen algo de sus cosechas para poder alimentarse y no morir de hambre. Desesperados buscan una solución que no sea entregarse a la voluntad de los ladrones y acuden al hombre más anciano de dicha aldea. Él les dice: “contraten a los samuráis”. Los hombres que fueron a consultarle no saben que decir a la descabellada idea del anciano. Saben que no tienen dinero para pagar y que la única forma de contratarlos es que aquellos samuráis sólo trabajen por comida y honor. Difícil labor que toman los hombres elegidos a contactarlos al pueblo más cercano, ya que son rechazados por la totalidad de estos samuráis de la época medieval japonesa. Contactan a los primeros, que aceptan por la comida, refugio y lo principal, el honor. sacan cuentas que necesitan siete samuráis para poder cubrir la aldea y contrarrestar la fuerza de caballería de los ladrones. Reunirlos no es fácil, luego de pruebas a sus destrezas, van captando uno a uno dichos samuráis.

Al llegar a la aldea, los campesinos caen en pánico porque creen que los samuráis les llevarán a sus hijas jóvenes como amantes. Temen a los cuentos relatados sobre estos guerreros y algunos caen en soluciones increíbles para evitar perder a sus hijas. Se preparan y así los aldeanos y los samuráis se organizan y entrenan para defenderse ante las estampidas del gran número de ladrones. Hasta se organizan en tiempo record en cosechar el trigo y así no tener nada que entregarles a los ladrones y cuidar a muerte sus cosechas. Inundan sus campos, ponen altos cercos y se preparan para el combate cuerpo a cuerpo contra los ladrones. Todo un operativo para llegar al “Día D” cuando los primeros ladrones llegan a la aldea.

Esta película, “Seven Samurai", me es difícil verla desde un punto de vista objetivo. Tal es el nivel de trabajo en las escenas, en la construcción de los personajes, los diálogos e incluso en las escenas de combate. Todo llevado al más mínimo detalle, nada dejado al azar. Todo trabajado hasta lo más mínimo para llevar a nosotros hasta nuestro días una película que cambió el concepto de los samuráis que teníamos en occidente a mediados del siglo veinte. Hasta el propio George Lucas se inspiró para la saga Star Wars, basándose en esta película y en la vasta filmografía de Akira Kurosawa. Una película que hace escuela, un director que hace escuela y aporta su visión detallada de lo que puede ser el trabajo del séptimo arte.

Más allá de esta película de más de tres horas de duración, en esta entrega de The Criterion Collection, tenemos un disco extra con documentales y más material fílmico basado en esta película. El primer documental /Akira Kurosawa: “It is wonderful to create”/ muestra a un Akira Kurosawa desde el proceso de escritura del libreto. Akira Kurosawa y dos escritores más, encerrados en una pieza por días creando lo que sería la película. Simplemente llegan a la idea de hacer que un grupo de campesinos amenazados por bandidos contraten samuráis. Originalmente serían las historias de siete samuráis legendarios, pero fue descartada. Akira Kurosawa como creador y director no dejaba nada al azar. Se destaca que creó las siete personalidades y características físicas de cada uno de los siete samurais. La película fue ambientada en el antiguo Japón después de las guerras civiles y estos siete samuráis que vagaban de aldea en aldea buscando donde dormir y alimentarse. El sufrimientos de los actores y equipo de grabación para hacer cada una de las tomas y escenas. Las batallas bajo la lluvia y el lodo. Akira Kurosawa quería hacer una película con un detalle y producción no vistos en Hollywood para la época. El término de un largo proceso de creación y filmación es en marzo de 1954. Observamos los escritos en japonés originales, sacados de los archivos del personal que trabajó en la película más material histórico de los archivos que Akira Kurosawa dejó al morir en 1998. Además de los testimonios del equipo de grabación y de actores de la película que detallan el a veces caótico set de grabación y el nivel de realismo que tuvo “Seven Samuráis”.

El otro documental /Akira Kurosawa: “My Life In Cinema”/ muestra a Kurosawa siendo un japonés atípico, comenzando por su estatura que siempre fue un problema para él. Fue un japonés fuera de las normas, estudió pintura y esto le permitió transmitir sus ideas en el cine a su equipo de trabajo. Comenzó trabajando en los Estudios PCL, y en ese tiempo su hermano se suicidó. Fue un golpe duro para Akira Kurosawa, ya que su hermano lo acercó al cine. En los Estudios PCL trabajó en cerca de treinta películas como asistente de dirección. Este estudio fílmico era una verdadera escuela para futuros directores de cine. Akira Kurosawa tuvo que trabajar duro por tres años para recién convertirse en el primer asistente en dirección en una película. Como asistente debe trabajar en todas las áreas que conforman la realización de una película. Así fue como comenzó a escribir libretos y a recibir una paga extra por estos. Fue un momento difícil ya que sufrió la censura de sus escritos durante la Segunda Guerra Mundial en Japón. Además fue rechazado por los estudio japoneses hasta llegar a los Estudio Toho. Realiza su primera película: “Sanshiro Sugata” (1943), que capta más interés de conocerlo por occidente a diferencia del Japón. Hasta llegar a su film “Drunken Angels” (1948) que dio las pautas de creación para sus futuras películas, le dio su identidad definitiva y su sello como director. Lector empedernido, amante de las obras de Dostoievski tales como “La Guerra y la Paz”. Sus experiencias propias las plasma en sus escritos, aunque los procesos de trabajo para él son rápidos y en escena utiliza variadas tomas para una misma escena y eso le da un mayor metraje para editar en sus films y evitar trabajo extra y mayor tiempo de realización de la película. Este estilo de trabajo lo realiza en “Seven Samurai” y el trabajo en películas de tinte histórico con total realismo y solemnidad. La música como banda sonora de sus películas forman la expresión de las imágenes de sus trabajos. aunque recibe el rechazo de los japoneses, pero es capaz de conectar con gente de otras culturas y se alimenta de eso para su trabajo. Akira Kurosawa dice que el éxito de su trabajo es que las producciones tengan la total libertad de trabajo para el director y equipo de trabajo. Como consejo a los realizadores indica que deben trabajar en películas que realmente les interese trabajar, disfruten y atraigan. Logran reunir seis samuráis, más el último que es un renegado que muestra su humor y picardía desconocida en dichos guerreros japoneses.

Los samuráis nos entregan una idea de humanidad y nobleza enorme. El impacto de la película fue fuerte en Japón y Occidente. Además de dar a conocer el código bushido de aquellos míticos samurais: ser leales a su señor, pero en esta película hay un cambio del bushido dando otra perspectiva de los samurais. Conocemos características de los samuráis, como el uso de dos espadas, una larga para la batalla y otra corta para suicidarse con honor si sienten que su camino ha llegado a su fin. Conocemos la perspectiva de muchos cineastas japoneses que antes y después de “Seven Samurai” quisieron remarcar el tiempo y la temporalidad que Akira Kurosawa entregó en este film. Sin lugar a dudas Kurosawa reinventó las películas de samuráis, los héroes reales del Japón ocupado post Segunda Guerra Mundial que le devolvió el nacionalismo con significado para los japoneses. Una película que marca una escuela, una forma de ver el cine, algo único, una obra de arte máxima del cine japonés y de una época en el mundo. Una película sin lugar a dudas imprescindible. 

Tráiler:

Título: Seven Samurai (The Criterion Collection #2)
Año: 1954
Director: Akira Kurosawa
País: Japón

Idioma: Japonés

Subtítulos: Inglés
Formato: Blu-ray

Calificación: Imprescindible

Libro: Chinua Achebe - Todo se desmorona

 

Okonkwo, tuvo un padre que no era para nada sentirse orgulloso. No heredó “ñames” ni granero. Tuvo que conseguir sus primeros “ñames” con mucho trabajo. Además de luchar contra las lluvias y la sequía. Okonkwo es un hombre de un temperamento fuerte, lleno de cólera y nunca mostraba afecto a sus esposas e hijos. Era, sin lugar a dudas un gran y respetado guerrero y trabajador que había ascendido en las clases sociales, castas y económicamente gracias a su esfuerzo y la ayuda de cercanos en una de las aldeas más peligrosas del bajo Níger, río ubicado en Nigeria, llamada Umuofia. Lamentablemente su temperamento lo traicionaba e incluso fue castigado por su clan por romper ”la paz” en su semana de celebración. Además tuvo que asesinar a uno de sus hijastros. Dicho acto sangriento e irracional para nosotros, lo perturbó y sintió que con los años había perdido valentía y fuerza. Hasta que un día asesina accidentalmente a un integrante de su aldea y es enviado al destierro por siete años. Debe partir con sus esposas e hijos al olvido a las tierras de la madre de Okonkwo, Mbanta, para comenzar una nueva vida. Desde cero prácticamente. Con la ayuda de su familia materna logra salir adelante y destacarse y vuelve a su aldea luego de esos siete años de destierro y se encuentra con una sociedad totalmente diferente. Con los colonos ingleses instalados, insertando su propio sistema de vida y su religión. Poco a poco el mundo conocido por Okonkwo se desmorona.

Conocemos las tradiciones de estos clanes y aldeas de este África profundo. Sus celebraciones y rituales. Además de sus mitos y leyendas. Tradiciones religiosas y guerreras. Cómo vivían los hombres en este marcado patriarcado donde las mujeres solamente tenían la labor de cuidar a sus hijos y servir a su esposo. Chinua Achebe nos cuenta de este África de finales 1800s. Un África, hasta el momento al comienzo del libro, sin colonos blancos, una sociedad desde nuestro punto de vista machista, violenta y cruel.

Como desenlace, todas estas normas, clanes y castas van desvaneciendo por la llegada de los colonos ingleses. Donde los desposeídos, apartados y débiles vieron su oportunidad de pertenecer a un grupo humano donde sean aceptados sin importar sus condiciones por este dios misericordioso. Por este hombre blanco caritativo que entrega una nueva visión de vida y mundo a los aldeanos africanos. Además el escritor nos habla de ese hombre africano del bajo Níger que lucha para que sus tradiciones se mantengan en el tiempo y de los colonos ingleses, que a punta de autoritarismo y de entregar beneficios sociales y religiosos, han introducido su religión y estructura social y administrativa. Como han sometido a los aborígenes bajo su religión extranjera, eliminando sus dioses y tradiciones ancestrales. Además que por medio de su alfabetización han dado trabajo e inmerso a los hijos de aquellos hombres luchadores y guerreros que ven como sus herederos se entregan a las manos de aquellos hombres blancos y esa nueva sociedad.

De este libro podemos sacar la enseñanza de nuevos mundos y realidades. De conocer las tradiciones de ese África profundo, desconocido para mi. Me encanta aprender de deidades y tradiciones religiosas y sociales. De normas ancestrales que se siguen y respetan sin considerar nada. De la amistad, la fraternidad que se puede crear por medio de aquellas tradiciones y que se desvanecen y desmoronan por medio de la intervención del hombre blanco. Es una crítica aireada a aquella invasión territorial y de tradiciones ajenas que destruyen ya los construido por años. Además nos muestra la otra arista. La realidad de mujeres y jóvenes que veían como una sociedad basada en la meritocracia, violencia, patriarcado y machismo perdía fuerza por la llegada del colono que daba oportunidades diferentes a aquellas personas y les mostraba un mundo más globalizado a aquellos aldeanos africanos. Libro que dio inicio a la introducción de África en la literatura contemporánea. Además variados escritores africanos posteriores lo han marcado como un libro influyente para sus carreras y pluma. Lectura recomendable, con los ojos claramente fijados en cómo se vivía en aquella época. 

Título: Todo se desmorona

Autor: Chinua Achebe

Originalmente publicado: 1958

Idioma: Español

Formato: Físico

ISBN: 978-84-99-08-269-1

Páginas: 206 páginas

Calificación: Recomendable

Música: Pink Floyd: The Early Years - 1965-1967 - Cambridge St/ation

La primera reunión de los tres miembros de Pink Floyd tomó lugar en la “Escuela de Arquitectura de Regent Street Polytechnic”(ahora “London 's University of Westminster") en septiembre de 1962. Fue ahí que el futuro bajista de Pink Floyd , Roger Waters, llegó desde su hogar en Cambridge y primero se conoció con Nick Mason (batería) y Richard Wright (teclados).

Pronto después, los tres comenzaron tocando música con una variedad de integrantes bajo diferentes nombres, incluyendo “The Maggadeaths” y “The Abdabs”. Sin embargo, fue hasta que un amigo de Roger Waters llega desde Cambridge, Roger “Syd” Barret, a estudiar a la “Camberwell School Of Art” en el verano de 1964. Desde ese momento la banda comienza a tomar una forma definitiva.

Por ese tiempo, Roger Waters y Nick Mason rentaban un departamento en una casa en Highgate, North London que pertenecía a Mike Leonard. Mike un profesor part-time en “The Polytechnic and Hornsey College of Art”, donde él estaba envuelto en sus trabajo de iluminación y sonido los cuales influenciaron los shows de luces de sus primeras presentaciones.

Leonard ocasionalmente tocaba los teclados con ellos, el cual ahora incluía a otro miembro nativo de Cambridge y estudiante de arquitectura, Bob Klose, y , por un corto periodo el vocalista Chris Dennis. La banda se presentaba bajo nombres incluyendo “The Tea Set” y brevemente “Leonard Lodgers”.

Pero cuando Syd Barret se unió al grupo como segundo guitarrista, él sugirió un cambio de nombre a “The Pink Floyd Sound”. Esto fue aceptado por el grupo que descubrió otro grupo con el nombre ”The Tea Set”.

A comienzos de 1965, el grupo estaba conformado por Barrett, Waters, Wright, Mason y Klose.

La temprana versión de la banda, ocasionalmente agregando a la vocalista y futura esposa de Wright, Juliette Gale, hizo su grabación debut en los “Decca Studios” en West Hampstead en 1965. Las sesiones capturaron una banda en transición, que ya escribía su propio material pero aún tocando covers de R & B que ellos habían estado practicando los últimos doce meses cuando Bob Klose dejó la banda para concentrarse en sus estudios. Fue entonces que los restantes cuatro miembros comenzaron a desarrollar un sonido completamente diferente.

Live in Stockholm 1967 (Audio)

Grabación en vivo con un sonido prístino, pero bajo en voz del 10 de septiembre de 1967 en Gyllene Cirkeln, Estocolmo, Suecia. Escuchamos versiones primitivas de algunas canciones conocidas de Pink Floyd, como “Set The Control For The Heart Of The Sun”. Versiones que son alargadas y llenas de improvisación a más no poder. Presentan canciones de su primer disco, llenas de psicodelia y progresivo. Sin lugar és un registro de su sonido inicial y germinal.

John Latham (Studio Recordings 1967) (Audio)

Tracks grabados en “De Lane Lea Studios” el 20 de octubre de 1967 para el soundtrack de la película de John Latham llamada “Speak” y en que escuchamos esa exploración en nuevos sonidos y texturas musicales. Búsqueda sonora, sin miedo a improvisar, equivocarse, y hacer sonidos extraños y llenos de psicodelia para la época de la mano de Syd Barret. Simple y llanamente una sesión de búsqueda de sonidos e ideas musicales en formato de improvisación.

En lo referente al material visual, que está en formato DVD y Blu ray, es que vemos la música de Pink Floyd no como una simple melodía, sino como una experiencia sonora. Imágenes que emocionan y que tenían esa inocencia inicial por la juventud y las ganas de agarrar el mundo con sus manos. En un inicio muestra escenas en Abbey Road y en el mítico Club UFO, donde vemos esa psicodelia e improvisación tan conocida en sus inicios por la banda. Esta música conocida en Inglaterra como “Psychedelic - Mind Expanded”.

Muestra el mítico videoclip para “Arnold Layne”, dirigido por Derek Nice y grabado a principios de 1967. Observamos al igual como Roger Waters y Syd Barret defendían sus ideas y música en programas tradicionales de música en el Reino Unido. Los criticaban por su extrañeza sonora y alto volumen al interpretarla. Es genial escuchar y ver a Syd Barret defender y entregar sus ideas sobre su amada banda.

Además las primeras presentaciones en la televisión de Estados Unidos y reportajes extranjeros de prensa fuera de Inglaterra que resaltaba la vanguardia en música, sonido y luces y proyecciones que entrega Pink Floyd a finales de los sesenta.

Esta primera entrega de su boxset “The Early Years” me emocionó. Fue ver y escuchar a esa joven banda, llena de fuerza e intransigente en su música e ideas. Ver y escuchar a Syd Barret es un regalo, ya que no es mucho el material en alta calidad que existe de él junto a Pink Floyd. Sorpresa en el material de audio de una nueva banda sonora, y la primera, para una película y que se mantuvo guardado por años hasta que el 2016 salió a la luz.

Es un material para ver de forma detenida por los seguidores de Pink Floyd y del rock progresivo y psicodélico. Ellos dieron los primeros pasos en este género y darle la importancia de Syd Barret en aquellos años por conceptos musicales y líricos para su primer disco. Un material audiovisual costoso, pero vale la pena tenerlo en las manos para disfrutar y crecer aún más los conocimientos en la banda, para mí, la más grande del rock progresivo en la historia. Imprescindible. 

TRACKLIST:

CD1: 

1. Lucy Leave

2. Double O Bo

3. Remember Me

4. Walk With Me Sydney

5. Butterfly

6. I’m A King Bee

7. Arnold Layne

8. See Emily Play

9. Apples And Oranges

10. Candy And A Currant Bun

11. Paintbox

12. Matilda Mother (2010 Mix)

13. Jugband Blues (2010 Mix)

14. In The Beechwoods (2010 Mix)

15. Vegetable Man (2010 Mix)

16. Scream Thy Last Scream (2010 Mix)            

CD2:

Live In Stockholm 1967

1. Introduction

2. Reaction In G

3. Matilda Mother

4. Pow R. Toc H

5. Scream Thy Last Scream

6. Set The Controls For The Heart Of The Sun

7. See Emily Play

8. Interstellar Overdrive

John Latham (Studio Recordings 1967)

9. John Latham Version 1

10. John Latham Version 2

11. John Latham Version 3

12. John Latham Version 4

13. John Latham Version 5

14. John Latham Version 6

15. John Latham Version 7

16. John Latham Version 8

17. John Latham Version 9

1965-67 Cambridge St/ation DVD/BR

1. Chapter 24: Cambridgeshire, UK 1966

2. Nick’s Boogie: Sound Techniques Studio

3. Interstellar Overdrive: 'Scene – Underground'

4. Arnold Layne: (Promo Video)

5. Pow R. Toc H. / Astronomy Domine Plus Syd Barrett And Roger Waters Interview: 'The Look Of The Week'

6. The Scarecrow: 'Pathé Pictorial'

7. Jugband Blues: 'London Line'

8. Apples And Oranges Plus Dick Clark Interview: 'American Bandstand'

9. Instrumental Improvisation: BBC ‘Tomorrow’s World’

10. Instrumental Improvisation: 'Die Jungen Nachtwandler'

11. See Emily Play: 'Top Of The Pops' - Partially Restored BBC Studio

12. The Scarecrow (Outtakes): 'Pathé Pictorial'

13 Interstellar Overdrive: 'Science Fiction - Das Universum Des Ichs' 

Pink Floyd - Arnold Layne Promo 1967:

           

Autor: Pink Floyd

Obra: The Early Years - 1965-1967 - Cambridge St/ation

Etiqueta: Pink Floyd Records – 88985361952

Originalmente publicado: 2016

Formato: Box Set, Compilation, Limited Edition

País: Japón

Calificación: Imprescindible